Вы находитесь: Главная Уроки Развитие музыкальности Выберите язык:
English (United Kingdom)French (Fr)Espa?olRussian (CIS)Ukrainian (UA)Polish (Poland)????Arabic (??????? ???????)

Развитие музыкальных способностей

Развитие музыкальных способностей, творческого мышления учащихся и основные принципы преподавания игры на фортепиано/клавишных.

1) Музыкальные предпочтения и принципы обучения.
2) Посадка за инструментом.
3) Ритм, тренировка ритма.
4) Развитие слуха.
    а) Интервалы.
    б) Мелодия.
    в) Тональность и Гармония.
    г) Динамика, Тембр и Регистр.
5) Постановка рук.
6) Чтение нотного текста, элементарная теория музыки.
7) Развитие памяти.
8) Педализация.
9) Достижение уверенности и свободы.
10) Самостоятельная работа.
11) Подбор на слух.
12) Импровизация и композиция.

Павел Дубровский

1) Прежде чем начинать работать с учеником, независимо от его возраста, на начальном этапе надо обязательно поинтересоваться какую музыку он предпочитает. Это касается и музыкальной стилистики: классика, джаз, популярная музыка или рок; и самого настроения, которое вкладывается в это предпочтение. Имея такую информацию можно, будет гораздо проще находить общий язык и вести ученика через учебный процесс, достигая максимальных результатов за минимальные сроки. Но торопиться всё равно не нужно, так как каждый имеет свои индивидуальные способности. Работать надо в максимально удобном темпе для учащегося и приступать к новому материалу только тогда, когда пройденный материал (пусть и совсем недавний) уже в достаточно жёсткой степени зафиксировался в памяти. Если вдруг возникают вопросы относительно пройденного материала, который был разучен давно, необходимо обязательно рассмотреть все неясности, так как эти, на сегодняшний день, незначительные моменты могут стать серьёзным препятствием в будущем и стать причиной снижения эффективности обучения и привести ученика к разочарованиям. Поэтому нужно индивидуально подходить к каждому из учеников, учитывая возраст, музыкальные предпочтения, врождённые способности и трудолюбие.

2) Первое, что здесь надо указать это то, нельзя сидеть за инструментом “вразвалочку” и что игра на клавишных – это всё таки не отдых, а работа, пусть даже не грубая физическая. Поэтому, учитывая рост ученика, надо сразу показать ему ЕГО посадку за клавиатурой, а точнее расстояние на котором он должен сидеть от инструмента. Слишком близкая посадка будет способствовать сутулости и дальнейшей скованности, а слишком дальняя будет создавать неудобство игры в крайних регистрах. И даже, если ученик играет на начальном этапе только в среднем регистре, приучить к правильной посадке ученика надо сразу, чтобы в дальнейшем к этому вопросу больше уже не возвращаться. Стул для музыканта должен быть достаточно жёстким, без спинки и подлокотников.

3) Итак, мы знаем, какую музыку любит ученик и он, в свою очередь, знает, как сидеть за инструментом. Перед тем, как показать, как класть руки на клавиатуру (даже не нажимая никаких клавиш) надо выяснить чувство ритма: попросить, например, простучать, или прохлопать любимую мелодию. Исходя из этого можно будет понять, как развивать ритмические способности дальше и на чём акцентировать внимание. Чувство сильной доли и акцентов, которое появится у обучаемого даст дополнительные преимущества в обучении и повысит самодисциплину. Очень хороши занятия под метроном, а также под “самограй”. Только в последнем случае надо правильно подобрать стиль для разучиваемого произведения.

4) Многие говорят у меня нет “слуха” или что-то в этом роде. На самом деле слух есть у всех, разница только в том, что у одних он лучше развит от природы, а другим просто придется больше тренироваться. Но и это не столь важно, так как постоянная и целенаправленная работа по развитию слуха в конечном итоге обязательно даст свои результаты. Особое внимание надо уделить выяснению того момента - есть ли у ученика “абсолютный слух”. Конечно, эта способность может сразу и не проявится, но если всё же она обнаружится, то надо ей уделять особое внимание, так как это “дополнительный козырь” музыканта, который поможет ему в будущем достаточно просто подбирать на слух и импровизировать.
а) Развитие слуха надо начинать с умения слышать интервалы (до октавы). Главное не форсировать, не спешить на этом основополагающем этапе.
б) Начинать лучше с простых мелодий, лучше всего, хорошо известных ученику. Опять же, лучше ограничится мелодиями, которые укладываются в пределах одной октавы.
в) Тональность и гармония – это уже серьёзные теоретические понятия, но на начальном этапе нам надо показать ученику самое простое: как звучат мажор/минор, что у аккордов бывают различные обращения и звучать они будут уже немного по-другому, при этом оставаясь тем же аккордом. В дальнейшем надо сочетать в упражнениях на слух задачи по способности слышать различные интервалы и аккорды, используя при этом, какие-то простые и знакомые для ученика мелодии.
г) Конечным этапом является выполнение вышеизложенного в разных регистрах с различными динамикой и тембром, чтобы дать возможность ученику услышать насколько может отличаться музыка сыгранная по-разному.

5) При выполнении простейших упражнений при подборе или чтении с листа надо уделять постановке рук особое внимание. Залогом успеха в достижении беглости являются не только правильно и систематически выполняемые упражнения, но и правильная постановка рук в сочетании с правильной и удобной посадкой за инструментом. Особое внимание уделять цепкости пальцев, “лёгкости-воздушности” запястья, но в тоже время не разболтанного (не прогибающегося вверх-вниз). В дальнейшем, и упражнения и готовые произведения надо выбирать так, чтобы ученик мог легко сочетать игру, когда обе руки находятся рядом в среднем регистре, и когда они расходятся.

6) Нотная грамота в скрипичном и басовом ключе, кварто-квинтовый круг, различные аккорды – всё это должно изучаться параллельно с развитием слуха и упражнениями для развития беглости. Рекомендую учебник Способина “Элементарная теория музыки”, где простым и понятным языком изложена та база, без которой немыслимо обучение. Естественно всю эту теорию необходимо закрепить практикой. Те пьесы и упражнения, которые отобраны для разучивания, могут стать наглядным примером того, как ЭТО работает. В противном случае дело ограничится банальной и никому не нужной зубрёжкой.

7) Есть люди, которые играют “по слуху”, не зная нот. Одни из этих граждан считают, что им изучать ноты уже поздно, другие уверены в том, что без нотной грамоты вообще “прожить можно”. К сожалению и те и другие ошибаются Но в одном я абсолютно уверен, что у ЭТИХ людей, в большинстве своём, хорошая музыкальная память, позволяющая им услышав мелодию, потом, “методом музыкально тыка” её же и подобрать. А лучше, быть хорошо “подкованным” в теории и развивать память. Одно другому не помеха. Начинать лучше с простых мелодий, попросив ученика “промычать” более или менее чисто то, что он только что услышал и только потом всю работу переводить на клавиши. Со временем переходить к более сложным и незнакомым мелодиям, постепенно увеличивая продолжительность отрывка для запоминания.

8) Педаль – это козырь фортепиано. Но она имеет как положительные, так и отрицательные стороны (отрицательные, естественно, при неправильном использовании). Многие новички хотят побыстрее пользоваться ею, насмотревшись концертов профессионалов, иногда забывая про то, что “лучшее – враг хорошего” (хоть и не так часто ). Поэтому развитие правильной педализации лучше начинать тогда, когда произведение уже уверенно играется, (лучше даже, когда играется уже даже без нот) для того, чтобы можно было всё внимание сконцентрировать на работе правой ноги. Чрезмерное “увлечение педалью” ведёт к некоторой размытости и неопрятности при исполнении. Часто бывает, что музыкальная тема звучит более выразительно без затягивания звука, а звучание быстро затухающих нот даёт больше конкретики и смысла. Так, что педаль надо “строго дозировать”.

9) Гаммы и арпеджио – вот два основных упражнения для развития беглости. Существует великое множество и тех и других. Не следует злоупотреблять быстрыми темпами, а тем более педалью при отработке техники. Только разучив упражнение в медленном темпе, и несколько раз сыграв его без ошибок, можно позволить 1-2 раза попробовать и в быстром. Чрезмерное использование быстрого темпа может вести к появлению неаккуратности, “забалтыванию” произведения и к состоянию “переиграности рук” что очень опасно. Педализация, хоть и может скрывать какие-то недостатки и огрехи, но если ученик не на сцене, то лучше быть честным с собой и отрабатывать всё без педали. Так же у ученика, вследствие каких-то технических неудач и ошибок может возникнуть состояние “боязни клавиш”, то есть переживание за неправильно взятую ноту. В этом случае надо поработать, чтобы это состояние не стало стабильным, так как в нём недостижимо абсолютно ничего. И только в состоянии строгой самодисциплины, состоянию диаметрально противоположном ситуации с “боязнью клавиш”, можно добиться того, ради чего ты сел за инструмент.

10) Как бы не старался преподаватель, его усилия не дадут желаемого результата, если ученик не будет самостоятельно работать. Лучше не садиться за инструмент уставшим или в плохом настроении. Так же ученик должен ясно и чётко понимать для чего он занимается, то есть определить тот объём работы и те цели, которые поставлены на ЭТО занятие. Если наличие свободного времени не позволяет разучить что – то новое или поработать над уже изученным материалом, то нужно хотя бы выделять время, чтобы не забыть то, что уже выучил. Лучше заниматься, например, каждый день по 30 минут, нежели два раза в неделю по полтора часа. Стабильность – это залог прогресса в обучении. Если у ученика возникают вопросы и непонимание в самостоятельной работе, то лучше предложить ученику выяснить все интересующие его вопросы на следующем уроке (если объяснить в телефонном режиме невозможно), так как заучить неправильно легко, а вот переучиться гораздо тяжелее.

11) Когда ученик овладел в достаточной степени теорией музыки, приёмами игры и имеет достаточно развитый слух – можно переходить к подбору любимой музыки. Подбор имеет свою специфику в преподавании, но он просто необходим, чтобы музыкант не был “привязан к нотам”, которые, кстати, не всегда могут быть под рукой, а сыграть надо ЭТУ музыку прямо сейчас. Подбор по слуху – это уже в своём роде творчество и часто прогресс уже зависит действительно от природной одарённости. Хотя “натаскать” ученика “снимать” любимую музыку в принципе можно, так как очень часто, принципы построения популярных песен являются идентичными. Чем больше подбираешь - тем быстрее ЭТО поймёшь.

12) Достигнув некоторых успехов в подборе и теории музыки, ученик может попробовать импровизировать, то есть немного отходить от оригинала, но, не теряя его целостности. Это более творческий процесс, чем проигрывание гамм и арпеджио, но некоторые элементарные советы можно дать, чтобы ученик не открывал то, что уже давно открыто: не надо изобретать велосипед! А пытаться побудить ученика написать что-то своё обязательно надо – может быть мы теряем Моцарта??? Можно, например, предложить ученику попробовать на популярную аккордовую последовательность написать свою мелодию… Хотя однозначные советы по развитию композиторских способностей давать крайне сложно.

Всё вышеизложенное является обзорным и содержит только основные аспекты обучения.
 


Paul Dubrovsky: "On the edge of eternity"

Отзывы знаменитостей

Paul Dubrovsky on Facebook Paul Dubrovsky on Google Plus Paul Dubrovsky on You Tube